foto:fernanda montoro/modelo:jessica wahl/maquillaje:paula ponce de leon/indumentaria:spy,lolita/produccion:niu

Nueva entrega de mis Polaroids de moda. La elegí quizás porque me recuerda a la primavera, que espero llegue pronto.

La historia va así: en setiembre de 1954, Le Corbusier escribe a sus amigos en Buenos Aires, los Curatella, para pedirles una nueva alfombra de pelo de vaca que reemplazara la que, en 1929, en su visita al Río de la Plata, le supo regalar Victoria Ocampo.

La alfombra de Le Corbusier en su casa

Esta alfombra, que Le Corbusier amaba y que era hasta tema de peleas conyugales con su esposa Ivonne, es el punto de partida para el proyecto 5 Narrativas, 5 Edificios, presentado por Emilio Nisivoccia, Sebastián Alonso, Martin Craciun y Lucio de Souza y elegido como representante uruguayo en la 12a Bienal de Arquitectura en Venecia, que abre sus puertas mañana 29 de agosto de 2010. El trabajo presenta cinco edificios emblemáticos en Uruguay: Estadio Centenario, Palacio Salvo, Represa Rincón del Bonete, planta industrial del Frigorífico Anglo en Fray Bentos y Edificio Panamericano; a través de videos que se van proyectando en las paredes. Y, uniendo todos los edificios, una versión en gigante de la alfombra de vaca de Le Corbusier.

La proyección del pabellón uruguayo en Venecia 2010

La alfombra que luce en las fotografías interiores del apartamento de Le Corbusier era de cuero blanco y negro, estaba compuesta por veinte rectángulos de 80 por 56.5 centímetros y medía un total de 4 por 2,26 metros. La versión que se presenta en la muestra es una cita y ya no una réplica: respeta el color y la textura así como también la dimensión de los paños, aunque es bastante más mullida y mucho mayor en tamaño. Pero sobre todas las cosas, comparte con la alfombra de Le Corbusier, y con toda alfombra —rota o apolillada— que cada uno guarde en la memoria, una misma e idéntica vocación por la demora. Por hacer del suelo algo mullido y blando donde discutir el mundo mientras pasa el tiempo.

El pabellón ya montado, pronto a recibir a los visitantes

El arquitecto Emilio Nisivoccia, responsable del proyecto, profundiza un poco más sobre la experiencia:

¿Cúando se plantearon presentarse al llamado de la Bienal de Arquitectura?

Hace dos años Facultad de Arquitectura hizo un primer llamado para postular proyectos a la Bienal, en esa ocasión discutimos ideas y al final decidimos no presentarnos. Entre otras cosas porque los plazos no calzaban con el proyecto y era imposible asegurar que las cosas fueran a funcionar como era debido.Ese mismo año iniciamos el LbPC, un curso opcional en Facultad de Arquitectura. Luego trabajamos para Post it City e hicimos unas cuantas cosas más y, además ampliamos el grupo de trabajo. Así que para este llamado ya teníamos un camino recorrido y una mayor experiencia.

¿Cómo fue el proceso creativo para llegar al proyecto?

Reuniones y discusiones. Muchas. Lo primero que estuvo claro fue trabajar sobre edificios o mejor, piezas de arquitectura, en Uruguay y además hacerlo en video. Lo segundo fue evitar el folklore o el folleto de divulgación turístico. Está claro que hablamos desde Uruguay, que nuestro observatorio es bien concreto porque nunca quisimos renunciar al conocimiento empírico, pero también que el discurso debía hablar sobre arquitectura sin adjetivo alguno. Cuando leímos la presentación de la curadora, Kazuyo Sejima, nos pareció que había muchas facetas de nuestro trabajo que encajaban con el espíritu de la curaduría, entre otras cosas porque nos interesaba entender la arquitectura, tanto como cualquier objeto, a partir de múltiples registros y lenguajes. La arquitectura no es sólo una cosa sino una multiplicidad de representaciones que se construyen sobre ella y la gran ventaja que tiene frente a otras artes es que envejece, se usa y se altera y, además forma parte de nuestra vida cotidiana.

¿Por qué Le Corbusier?

No es tanto Le Corbusier como la alfombra que tenía en el salón de su apartamento. Una alfombra de cuero de vaca, blanca y negra bien peluda, hecha con rectángulos de 0,80 x 0,58 que le regaló Victoria Ocampo en 1929 cuando visitó el Río de la Plata. En los años cincuenta la alfombra de Le Corbusier estaba a la miseria y el tipo les pidió a los Curatella en Buenos Aires que le ayudaran a conseguir una igual. Cualquiera de nosotros ha tenido una alfombra de cuero o al menos pasó una tarde echado sobre los pelos del animalito que trajo Hernandarias y figura en el escudo nacional. Así que teníamos a Le Corbusier, a nosotros mismos, al Uruguay, a una estrategia nómade bien aceitada para construir lugares en cualquier emplazamiento y a las millones de imágenes que pueden asociarse desde cualquier sitio del planeta que sepa mirar el mundo echado en una alfombra. Estaba todo junto, mezclado y reunido en un mismo elemento. La alfombra que presentamos es un objeto tan ambiguo y múltiple como las arquitecturas que registramos. Pero además de un objeto la alfombra construye un lugar, una demora. Esta es la idea.

¿Cómo dialoga su propuesta con las que conocen de otros pabellones?

Apenas si empezamos a conocer las propuestas de los otros pabellones en la medida que empiezan a publicarse noticias más afinadas. Al principio suponíamos que por ser uruguayos íbamos a seguir siendo una nota extraña, pero acabamos de descubrir que la muestra de Portugal tiene muchos, sino demasiados, puntos de contacto con la nuestra. Ellos hicieron 4 películas sobre 4 casas de arquitectos y nosotros 5 cortos sobre 5 edificios, unos de autor conocido y otros anónimos. Es muy buena la coincidencia.

¿Cómo confeccionaron la alfombra?

La alfombra la hizo Bertoni y el sistema de confección fue propuesto por Fabián Melo. Hay que decir que quedó muy bien. No es una réplica de la que tenía Le Corbusier, y nunca fue la idea, sino solo construir una cita. Entre otras cosas porque queríamos cubrir una superficie bastante mayor. Bertoni nos propuso hacer baldosas en MDF de 0,80 x 0,58 con un bajo alfombra al medio y el cuero como revestimiento, son fáciles de transportar y montar y, además, son mullidas y dejan el cuero tenso y sin arrugas. Realmente la alfombra está muy bien e invita a zambullirse.

¿Existe una postura particular sobre la arquitectura hoy en Uruguay?

No creemos exista tal cosa, nosotros no la tenemos y probablemente tampoco sea demasiado importante. La arquitectura es un terreno para discutir y hacer, una técnica que sigue interrogándose a sí misma y ensayando las formas más diversas para intentar hacer del mundo un buen sitio donde vivir. Por fortuna Uruguay tiene una excelente Facultad de Arquitectura cimentada en una larga tradición, en muchos y muy buenos estudiantes, en funcionarios capaces, en docentes que ponen dedicación y cariño a su trabajo y en autoridades de cogobierno que actúan con compromiso e inteligencia. Uruguay funciona cuando trabajamos en equipo, no tenemos personajes rutilantes pero sí una manera de hacer las cosas difícil de encontrar en otros sitios. Si se continúa con la política de realizar concursos para la Bienal y se sigue apostando a la Facultad de Arquitectura las muestras que siguen seguro van a ser mucho mejores. Entre otras cosas porque necesitamos acumular experiencia y esto lleva tiempo y continuidad. Pero las cosas van por muy buen camino y la arquitectura en Uruguay goza de buena salud.

¿Qué esperan de Venecia bienal?

En principio nada. Es decir, vamos a conversar de arquitectura con nuestros pares, a intercambiar ideas, compartir un evento y en todo caso, buscar gente interesante con la que hablar. Lo importante será representar a la facultad y luego recoger contactos, experiencia y vínculos que puedan volcarse en lo cotidiano para seguir creciendo. Ninguno de nosotros se hará famoso con la muestra pero, en cambio, podemos contribuir al proyecto colectivo y de esto se trata.

De todas maneras también estamos convencidos que tenemos cosas para decir y las decimos, pero como tampoco somos ingenuos está bien claro cuál es el terreno donde nos movemos. A partir de la muestra nadie va a salir a contratar arquitectos en Uruguay y además, un planteo de este tipo sería ridículo, lo mismo que hacer de la participación uruguaya un catálogo de playas para seducir veraneantes. Si pretendemos jugar en ligas mayores debemos pararnos a un mismo nivel y construir discursos, de esto se trata la bienal y éste el desafío.

¿Y de Venecia ciudad?

Por fortuna los integrantes del equipo conocemos Venecia, unos más y otros menos, y es una ciudad increíble. No sólo por la geografía o el paisaje pintoresco sino también porque tiene un tiempo y una historia muy particular. Venecia se la puede leer desde Thomas Mann, Simmel, Ruskin y obvio Nietzsche, como ciudad de las “mil soledades juntas”, esto lo dijo Nietzsche y vale la cita porque es muy buena. Para colmo el aforismo termina diciendo “un mensaje para los hombres del futuro”.

Pero a Venecia también se la puede recorrer desde el Renacimiento. Manfredo Tafuri, que fue el historiador más potente que trabajó sobre arquitectura, pensaba que Venecia era una ciudad muerta por suicidio, una república incapaz de plegarse al tiempo moderno que decidió permanecer fuera por decisión propia y consciente. Algo así como un fantasma que, como los de Shakespeare, tiene la extraña capacidad de inquietar el presente. En todo caso Venecia es una lección de vida que supera cualquier bienal y la pregunta es muy oportuna porque vamos a tener que hacernos de un tiempo extra para visitar a los Giorgione, Tiziano, Sansovino, los pintores de vedutas y luego recorrer innumerables rincones abandonados.

5 Narrativas, 5 Edificios es la muestra del pabellón uruguayo en la 12a Muestra Internacional de Arquitectura en la Bienal de Venecia, “People meet in architecture”, por primera vez dirigida por una mujer, la arquitecta japonesa Kazuyo Sejima.

La exposición permanecerá abierta al público desde el 29 de agosto hasta el 21 de noviembre de 2010.

Información actualizada sobre el pabellón uruguayo aquí

Texto y entrevista: Jessie Young
Fotografía: Julia Saldain

Manuel Rodríguez es: artista plástico, sensibilidad divina, captura la intimidad dejándola suspendida en el tiempo. Cada vez que uno se enfrenta a un cuadro de él, dan ganas de zambullirse dentro. Sencillo, aunque muy lindo.

¿Cuándo vendiste tu primer cuadro?

Fue hace unos años, no me acuerdo exactamente cuántos, cuatro o cinco. Me habían encargado un retrato, una pareja, y como eran amigos míos  les hice un precio muy bajo. Cuando lo terminé cayeron en el taller unos gringos que venían con una galerista de Los Ángeles y se lo terminé vendiendo a los gringos, así que tuve que hacerlo dos veces, y mis amigos se quedaron con la segunda versión.

Foto: Julia Saldain

¿Qué fue lo más gracioso que te pasó?

Ni idea.

¿Qué es el arte para vos?

Mmm… ¡Me habías dicho que no ibas a hacer preguntas difíciles!  A ver… A veces me parece que el arte es un grupito de gente dentro de una sociedad que se manejan con sus propios códigos, o reglas, algo así como que: “el arte es lo que la institución ‘arte’ decide que es arte”. Entonces nuestro trabajo termina siendo tratar de entender que es lo que están haciendo esas personas para hacer algo distinto, o  “nuevo”, pero no sé, la verdad es que eso a mí no me convence,  ni me seduce ni me motiva a seguir trabajando,  prefiero creer que hay algo mas detrás de todo eso, como la búsqueda de algo sublime, o algo inalcanzable, como un misterio, una pregunta. Creo en el arte como algo capaz de generar afectos, emociones y cuestionamientos más allá de la propia institución.

Foto: Julia Saldain

La cama… Para mí es algo más que una obsesión,  estoy convencido de que es uno de los lugares donde se da la más auténtica comunicación entre las personas, un lugar de verdadera sociabilización, un espacio íntimo y  privado: refugio y seguridad.  Creo que en la cama es donde la gente es ella misma, donde se despojan de todo simulacro, y dejan aflorar las grandes preguntas, como en el aforismo del templo de Apolo, en Delfos.  Aprovecho para contarte  que estoy haciendo un casting-sábana online, donde pueden participar personas de todo el mundo enviando fotos de sus camas a: castingsabana@gmail.com o enviarlas directamente al grupo castingsabana de Facebook donde están publicadas todas las fotos de las camas.

¿La mejor ciudad que hayas visitado?

No he viajado mucho, aunque he podido visitar ciudades muy lindas como París, New York o Rio de Janeiro. Pero desde que no vivo más en San José, pasó a ser uno de los lugares que más me gusta visitar.

Foto: Julia Saldain

El dinero… No me he esforzado mucho por ganarlo y se me hace muy fácil gastarlo: como viene, se va. Soy de esas personas que no saca la cuenta cuando le dan un cambio, ni pienso en el dinero como algo primordial en mi vida, pero sí como un problema mundial, que a la larga nos afecta a todos.  Justo ayer estaba viendo el programa de Nelson Castro, “El juego limpio”, y uno de sus invitados (un cura) decía que el principal problema de la distribución de la riqueza es que no existen leyes que contemplen este problema; justamente porque  quienes redactan las leyes son los ricos que piensan seguir acumulando riqueza. Vivimos en un mundo bastante injusto, donde todos sueñan con ser ricos, donde los delitos de los de abajo son severamente castigados mientras quienes cometen grandes estafas y desfalcos multimillonarios son fácilmente excarcelables.

Foto: Julia Saldain

¿Qué es lo más lindo que hayas visto?

Los ángeles del díptico de Wilton y el culito de mi novio.

¿Un recuerdo memorable?

Ya llevo dos días pensando en esta pregunta y no se me ocurre nada. Tengo pocos recuerdos y muy confusos: una imagen mía de niño andando en mi triciclo por la vereda de la casa de la Floresta, o la choza que construimos con mis hermanos en el monte de casa… ¿Por qué me hiciste tantas preguntas que tienen que ver con la memoria y los recuerdos? Mis cuadros son recuerdos memorables, son instantes de mi vida,  no son muy anecdóticos: Gonzalo tirado en la cama leyendo un libro, o mirando la nada, fumando un cigarro, pero todos son un instante que yo hago memorable, y que archivo al escribir las fechas y lugares de la foto.

Foto: Julia Saldain

¿Cuáles son los tres elementos favoritos de tu casa?

El macetero-elefante que parece una cunita de bebé.

Las ventanas que dan al patio interior del edificio.

El “latón” verde flúo que uso para colgar la ropa.

¿El orden o el desorden?

El desorden, ¡pero el mío! A veces mi casa parece un quilombo, igual entre todo esos desastres yo sé cómo encontrar lo que necesito.

Foto: Julia Saldain

¿Montevideo para vos?

Venirme a vivir a  Montevideo significaba irme de la casa de mis padres, en cierta forma comenzar a independizarme, poder estudiar arte que fue lo que siempre quise hacer. Aparte me gusta la ciudad, me parece muy linda, aunque un poco descuidada, y sucia.

Foto: Julia Saldain

Entrevista y estilismo: Jessie Young

Fotografía: Julia Saldain

www.manuelrodriguezarnabal.com

castingsabana@gmail.com

prensamr.blogspot.com

foto:fernanda montoro/ropa:jennifer evans/modelo:rachel sophia caplan

Jennifer Evans, gran amiga, es una diseñadora americana que vive actualmente en Montevideo. Esta foto la saqué en Londres y es de su colección Amor de cuero.

foto:fernanda montoro/ropa:catalina bouza/modelo:samantha rowley/maquillaje:valentina bouza

Les presento una nueva entrega de mis Polaroids de moda. El video backstage de esta foto va a estar este martes en Ronda de mujeres|LONDON 8 O’Clock. ¡Espero que les guste!.

La moda se transforma, se reinventa, sorprende con innovación y también se repite a si misma. A veces intuimos su futuro y a veces se torna inesperada. No es de necesidad vital, si bien nos protege y abriga en su manifestación más terrenal, la prenda. Sin embargo ocupa un lugar muy importante para la humanidad. Porque la moda es mucho más que ropa.

Es un mecanismo de decisiones alterado por infinitas variables que le dice a los demás quienes somos y hasta ayuda a uno mismo a definirse, nos inspira y es un increíble vehiculo de creación. La moda está viva, y en nuestro precioso país, más viva que nunca.

En un contexto especial, donde la línea climática que divide las temporadas es cada vez más borrosa, en donde más que nunca hay diseñadores independientes acomodándose en el ecosistema con las marcas establecidas, donde gracias al nuevo mundo en cualquier rango económico hay mucho para elegir y donde contamos además con más productos de comunicación de moda que nunca. La moda se democratiza, y es en éste riquísimo proceso que nace Icona, Art & Vitrine.

Porque parte fundamental del proceso es generar espacios donde podamos conjugar y potenciar las distintas piezas que arman el gran mundo de la moda, en Icona queremos que las grandes marcas, los diseñadores independientes, los consumidores y el gran conjunto de artistas vinculados a la moda, se entretejan formando un recorrido en imágenes de mucho, mucho más que ropa.

Cisne Negro

Segue texto convidando a todos para visitarem a exposição da artista Miriam Homem de Mello.

Vendo o invisível em nossas vidas

A Livraria Cultura do Shopping Villa Lobos lança a série inédita de fotografias

“Horizontes Verticais”, da fotógrafa Miriam Homem de Mello

No dia 6 de agosto, das 19 às 22 horas, a fotógrafa Miriam Homem de Mello lançará uma série de fotografias, chamada “Horizontes Verticais”. São fotos que mostram texturas inusitadas em imagens de natureza, que passam despercebidas na correria da metrópole.

“Com a fotografia aprendi a dar a tudo uma nova dimensão, a dimensão do enquadramento. Minha relação com o mundo passou a ser balizada por esse parâmetro”, afirma Miriam Homem de Mello. “Tudo é uma questão de enquadramento, de ângulo de abordagem, de grau de zoom, de correção cromática. Como se o banal pudesse tornar-se sublime por meio disso e vice-versa, como se o real não fosse obrigatório, mas uma questão de escolha”.

Para Miriam, essa é sua escolha de vida e seu mantra profissional: “Quero povoar a cidade com crops e zooms dando à minha própria vida um enquadramento mais real”, diz.

As fotografias são apresentadas em 3 formatos: 23 x 29 cm (série com 5 imagens), 27 x 35 cm (série com duas imagens) e 40 x 50 cm. A impressão é feita com exclusividade pela editora Buriti do Brasil com a mais alta e recente tecnologia disponível para o segmento de arte, que utiliza tinta pigmentada de alta densidade. O papel utilizado é o Canson Infinity Montval Aquarelle de 310 g/m² e os exemplares incluem o passe-partout Canson, pH neutro, com chanfro de 45º e certificado de autenticidade.

Depoimento do fotógrafo urbano Flavio Samelo sobre a série:

A fotografia nasceu na mesma época do impressionismo e tomou para si a responsabilidade figurativa das imagens. Isso se manteve durante muito tempo mas ultimamente temos visto muitos fotógrafos explorando mais o suporte que escolheram para trabalhar. Esse é o caso de Miriam Homem de Mello, cuja pesquisa fotográfica vai além de retratos e paisagens; suas imagens buscam um novo jeito de ver o invisível em nossas vidas, mostrando que a fotografia pode ajudar o homem a enxergar e pensar sobre as coisas que o cercam.

Vivenciando fragmentos do seu dia a dia, a fotografia de Miriam nos faz parar, analisar e contemplar o que antes era imperceptível para quem apenas passava pelos lugares sem atenção; com seu olhar apurado e sensível, Miriam transforma o nada em um novo horizonte a se olhar.

Serviço:

Preços: de R$ 240,00 a R$ 580,00

Data: 6 de agosto de 2010, sexta-feira

Horário: das 19 às 22 horas, com a presença da fotógrafa.

Local: Livraria Cultura, Shopping Vila Lobos, 2º piso – Jardins

Informações Livraria Cultura: 11 3024 3599 – contato: Daniel (daniel.sena@livrariacultura.com.br)

Informações Buriti do Brasil: 11 8375 0697 – contato: Antonio G. Bueno (buriti@buriti.art.br)

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Hyères 2010: 25º Festival Internacional de Moda y de Fotografía. 10 diseñadores,10 fotógrafos.

Texto y Fotografía: Laura Almeida

Luego de 8 horas de viaje en tren desde París llegamos a Hyères: pequeña ciudad sobre la costa mediterránea perteneciente a la provincia de Toulon, a 80 minutos de Cannes y con alrededor de 50 mil habitantes.

La vigésimo quinta edición del festival de Moda y Fotografía de Hyères se desarrolló en la Villa Noailles del 30 de abril al 3 de mayo de 2010.

La Villa Noailles, obra del arquitecto Robert Mallet-Stevens, es una de las primeras construcciones francesas modernas de los años 20. Allí se buscó lograr un espacio luminoso, funcional y simple; teniendo entre otros artistas invitados para su decoración a Piet Mondrian. Yace sobre la colina del viejo castillo y es allí que año a año se realiza el festival internacional de Moda, Diseño y Fotografía de Hyères.

Varios talentos revelados en pasadas ediciones del festival hoy son esenciales en el mundo de la moda: Viktor & Rolf, Gaspard Yurkievich y Sandra Buckland entre otros. Y no es para menos teniendo en cuenta los célebres jurados que se sucedieron, nombres tales como Azzedine Alaïa, John Galliano, Jean-Charles de Castelbajac, Martin Margiela, Ann Demeulemeester, Hussein Chalayan, Karl Lagerfeld, Jean Paul Gaultier….

Año a año el festival es organizado por Jean Pierre Blanc con el apoyo de L’Oréal Professionnel que apoya a los jóvenes creadores, Crystallized Swarovski y Maison Wolff, entre otros colaboradores. Celebrando este aniversario se eligió como jurado excepcional al belga Dries Van Noten como presidente del jurado en Moda y al italiano Olivero Toscani (fótografo de Benetton) como presidente del jurado en Fotografía.

Luego de elegir a los 10 finalistas en Moda y a los 10 finalistas en Fotografía en el mes de diciembre, se decidió un ganador de cada rubro en el penúltimo día del festival.

La ganadora en Moda, Alexandra Verschueren (Bélgica) ganó 15 mil euros y la presentación de su colección en París gracias al apoyo de L’Oréal Professionnel, sumado a un viaje a Mallorca para desarrollar una línea de calzado en Camper. Su colección fue inspirada en el origami japonés. Jugó con las texturas geométricas, las formas simples, los grandes tamaños y una paleta sobria. El premio del público fue para Tsolmandakh Munkhuu (Mongolia) quien recurrió a jugar con la moldería y distintos materiales para generar texturas y redescubrir el color negro.

Los ganadores en Fotografía, Matthieu Lavanchy y Gross Yann (Suiza) obtuvieron un año de estudios todo pago en NY, entre otros premios.

El festejo comenzó en la tarde del viernes con un cocktail de bienvenida y la presencia de diseñadores, buscadores de tendencias, compradores, agentes, curadores, periodistas de moda, importantes organizaciones y fashionistas ente otros.

Noche a noche se repetía el show montado en la Rue de Porches donde se presentaban los 10 finalistas con sus colecciones, como también el ganador del premio L’Oréal Professionnel y del premio Swarovski. Se cerraron las calles para ofrecer este magnífico show entre arcadas de las estrechas calles del centro de la ciudad y, finalmente, la noche del domingo 2 nombraron a los ganadores.

Lo más interesante sucedió durante la jornada del sábado, en que cada diseñador y fotográfo tenían una habitación de la Villa Noailles para mostrar su colección mediante una espectacular y personalizada puesta en escena, haciendo hincapié en el proceso creativo y la metodología. Utilizaban todo tipo de material extra que aportara y enriqueciera su presentación ofreciendo entrevistas a la prensa y a cualquiera que se acercara para dialogar.

Durante los 4 días había exposiciones fijas de reconocidos artistas, diseñadores y fotógrafos como Dries Van Noten, Steven Klein, Walter Pfeiffer, Emmeline De Mooj & Anne De Vries y Jean Paul Lespagnard, entre otros. Algunas se desarrollaban en la Villa Noailles y otras en diferentes puntos de la pequeña ciudad.

Para cerrar el concepto del festival, por décimo año consecutivo se realizaron “los encuentros internacionales del textil y de la moda” en una carpa climatizada con traducciones simultáneas donde se ofrecieron conferencias tales como Bolsos firmados y cuadros con grifas; Corea Del Sur; Imagen y sentido; Moda Cultura y Religión; Ni boutique ni revistas.

Las largas jornadas que comenzaban a las 9 de la mañana culminaban con fiestas en la playa hasta largas horas en la noche.

La buena energía y el interés de muchos por hacer más y más por los jóvenes creativos se sintió en cada momento. Las experiencias demuestran que sí se pueden lograr los objetivos, aunque muchas veces parezcan inalcanzables. Nos despedimos con Rosario, mi compañera de viaje, enamoradas de esta maravillosa ciudad, más parecida a un pueblo, donde se vive una gran fiesta año a año y a la cual nos encantaría volver en otra oportunidad.

Sobre el autor: Laura Almeida

Laura Almeida

Uruguaya, vive en Montevideo. Licenciada en Diseño de Modas egresada de la Universidad ORT en 2009 y serigrafista. Desde marzo 2008 lleva adelante su proyecto personal en tejido de punto RAMONA. Realizó su tesis en la empresa Manos del Uruguay. Mención especial en el concurso de arte y diseño del Louvre organizado por la embajada de Francia. Actualmente trabaja como asistente en el departamento de producto de la empresa Si Si. Intereses: fotografía, cine, yoga, viajar, producción de moda, ser persistente y lograr vivir de lo que me gusta. www.ramona.com.uy

foto:fernanda montoro/ropa:catalina bouza/modelo:samantha rowley/maquillaje:valentina bouza

Como fotógrafa mi acercamiento a la fotografía de moda es bastante peculiar.

En el mundo actual donde la industria de la moda aprovecha las infinitas posibilidades de las cámaras digitales, donde en una sesión de fotos sacar cientos o miles es el standard, yo elijo usar exclusivamente cámaras Polaroid.

Muchas de estas cámaras estuvieron guardadas en algún ático por décadas, utilizan rollos que no se fabrican más y que son tan difíciles de conseguir que generalmente no puedo sacar más de 20-30 fotos por producción.

Esto más que una limitación lo veo como una oportunidad. La oportunidad de respetar y valorar cada foto, de componer con cuidado, de dar lo mejor de mi en cada clic. Teniendo solo una veintena para sacar, cada foto pasa a ser especial.

Pensando en esto es que se nos ocurrió esta nueva sección en Blogcouture. Cada quince días publicaremos una de mis Polaroids de moda. ¡Espero que les gusten!.