fuente: wwd

Hoy martes, en el palacio del empresario Francois Pinault en París, se presentó la última colección de Alexander McQueen. Esta serie de prendas estuvo, como fue habitual en él, llena de detalles preciosistas y siluetas que se despegaron de la moda para acercarse al arte y a la historia. Como siempre, se destacó la confección impecable, casi mágica, los materiales generosos y un aire atemporal que solo los grandes genios logran alcanzar.

Con lágrimas en los ojos, los pocos privilegiados que asistieron al desfile vieron pasar impresiones digitales de antiguas obras de arte convertidas en tejido de punto; prendas que mezclaban lo bizantino con Avatar y un broche final del saco realizado de plumas doradas. Sin lugar a dudas esta colección será altamente cotizada y vendida a precios exhorbitantes pero, durante unos emocionantes minutos, el negocio fue seguramente lo último en la mente del público.

Ver colección completa a seguir…

tomdesign-"Next Exit"- exhibition (Turín)

Con la historia como respaldo y un claro apoyo por parte de la Comunidad Europea, declarándola como Capital de la Cultura Europea 2010, Turquía se afianza cada vez más como punto de interés en el mundo del diseño.

La república de Turquía se encuentra a mitad de camino entre Europa y Asia, entre milenarias tradiciones y los avances europeos. Su posición estratégica, rodeada por el mar Mediterráneo, el Egeo, el Negro y el Mármara se puede considerar como un puente entre Europa y Oriente Medio. Más de 30 civilizaciones dejaron su huella allí, y su ciudad más importante y representativa, Estambul, es la única en el mundo situada en dos continentes a la vez.

Complejo habitacional para varias familias - Estanbul

Ver Corto de Estanbul presentado por Seyhan Özdemir y Sefer Çaglar de Autoban

Este caldo transcontinental se comienza a cocinar entre los siglos XVII – XII AC por los hititas, considerado el primer gran imperio establecido en dicho territorio, pasando por el imperio persa, Alejandro Magno, el imperio romano (fundando Constantinopla, la cual sería después Estambul), imperio bizantino, otomano, llegando a nuestros días y encontrando a la actual república en un constante estado de ebullición cultural y económica.

Diseño turco hacia el mundo….

Apartamento Seyhan - Autoban

Esta interesante amalgama de estilos, culturas y gente deriva en propuestas sumamente interesantes a través de estudios como Autoban, establecido desde 2003, enfocado en un principio en el interiorismo y actualmente siendo protagonista del diseño de muebles y participando en ferias como Detour 2009, (Hong Kong), Sofia Design Week, ICFF (International Contemporary Furniture Fair, New York) y 100% Design (London) a través de su editora De La Espada.

Tienda Vakko en Estanbul - Autoban

Este estudio cuenta no solo con productos de vanguardia, sino que también aplica los mismos conceptos a sus trabajos de interiorismo, tanto en residencias como en ámbitos comerciales. Ejemplo de ello es el trabajo realizado en la tienda Vakko de Estambul.

IZZ Cafe & Restaurant - Ugur Köse y Batu Palmer

En esta línea de trabajos de interiorismo encontramos a los arquitectos Ugur Köse y Batu Palmer quienes, en el trabajo del IZZ Cafe & Restaurant repiten la formula de mostrar materiales en forma honesta y con mucha personalidad en los objetos elegidos.

Derin es otra muestra de los avances del mercado turco, enfocándose en muebles con aspecto netamente europeo sin perder personalidad; y redoblando la apuesta llega Adnan Serbest, con una experiencia de más de 25 años en el diseño de mueble y su renovadora silla “kayra”.

Silla Kayra - Adnan Serbest

En otros ámbitos aparecen empresas como Ilio con una propuesta mucho más amplia, ofreciendo líneas para mesa, accesorios y muebles, y por ello reconocidos en el pasado IF product design award.

"Banco rama, mesa brote" - Ilio

Enmarcando este empuje nos encontramos con la IDW (Istanbul Design Week 09), en la cual se apuntó al diseño mediterraneo entre el presente y el futuro; apoyada por Elle Decor y Maison Francaise y presentando proyectos como Material Connexion, Design Library, Detour Moleskine, y otros más.

…diseño del mundo hacia Turquía
Pero no solo Turquía se acerca al mundo, sino que reconocidos diseñadores del resto del mundo forman parte de proyectos y desarrollos de líneas locales, generando un ida y vuelta que remueve aún más esta interesante mezcla. Se pueden ver trabajos de Ross Lovegrove para la empresa de accesorios para baño Vitra, empresa para la cual también colaboró Matteo Thun; o el ejemplo de la emblemática diseñadora francesa Andrée Putman para Gaia & Gino con su línea “Lucky”.

Vaso de la lînea "Lucky" para Gaia & Gino - Andrée Putman

Como ejemplo del impacto que está teniendo este país en el mundo del diseño está el proyecto Bloei!, del estudio holandés Lotte Van Laatum, cuyo trabajo se basó en un sofá tradicional turco, en el cual la tapicería (elaborada artesanalmente por mujeres turcas de primeras generaciones nacidas en Holanda) y almohadones van separados.

Preparando las valijas

Vista de habitaciones del hotel "W-Istanbul"

Todo indica, por lo tanto, que debemos grabar en nuestras mentes la palabra “tasarlamak” (así se le llama al diseño en turco según el Google Translator).  Turquía se muestra al mundo como un nuevo generador de productos con diseño, restaurantes equipados por estudios de vanguardia, hoteles que siguen innovadores lineamientos de estudios de arquitectura y diseñadores internacionales que trabajan con marcas locales, convirtiendo a este alejado país en un lugar fermental donde vale la pena asomarse.

Fuentes consultadas para este artículo:
Contemporist

Dezeen

Wallpaper

Wikipedia

Yankodesign

Yatzer

Recién recibimos la información oficial de la muestra de alumnos y egresados de Pablo Gimenez Escuela Integral de Diseño, este sábado 13 de marzo* a partir de las 20 hrs en el Anfiteatro del Complejo Torre de las Telecomunicaciones.

Hemos visto adelantos y hay propuestas muy interesantes. Algo a destacar es que presentan dos de las cinco finalistas de Lumina 2010 -Lucía Chiacchio y Valeria Fernández-, que enseguida vuelven a mostrar sus otras colecciones en la pasarela del concurso el 22 de este mes. Además, sabemos que la escuela ha impreso  un “librito” que promete movernos el piso. ¡BlogCouture adora y recomienda!

*En caso de lluvia se traslada para el sábado 20 de marzo.

Información oficial a seguir:

INTEGRA 2010  _ Muestra de alumnos y egresados.
Sábado 13 de Marzo 20h*.
Anfiteatro del Complejo Torre de las Telecomunicaciones.
Paraguay s/n entre Guatemala y Venezuela.
Acceso a parking Gratuito / entrada por Paraguay, al lado del Anfiteatro.
*En caso de lluvia se traslada para el sábado 20 de Marzo.

Predicciones para próximas temporadas, discernidas por género e intenciones estilísticas, derivadas de un minucioso análisis de la situación global y su adaptación al entorno regional.

Identi-kit

Proyecto de egreso

Exploración sensorial del territorio físico y metafórico que conforman nuestra identidad, con la intención de contribuir a la construcción de un mensaje del diseño de autor, basado en la experiencia y despertando al espectador la emotividad.

Próceres

Proyecto de Alumnos de 2do. semestre

Leyendas de hombres en proceso conforman la ciudad. Diferentes décadas se manifiestan en la conformación del legado estilístico masculino. Montevideo festeja la primer década de un nuevo siglo y abre paso a la resemantización y reconstrucción del hombre de hoy.

Agradecemos reservar invitación al 402 88 91

recepción@escuelapablogimenez.com

Como sabemos que la mayoría de nuestros lectores son chicas, o mujeres, no queríamos que este día de los valores femeninos pasara desapercibido en BlogCouture.

Para ello, un regalo que disfrutarán mucho todas -y todos- los fashion lovers: mañana se estrena The September Issue, el documental sobre el número de setiembre 2007 de la revista Vogue americana, seguramente uno de los números más importantes de la historia de la mítica revista.

Es mañana martes 9 de marzo a las 20.15 por HBO, no se lo pierdan! Y después nos cuentan.

¡Feliz día!

Fuente: FFW.com.br / Crédito fotos: FistView

Pedro Lourenço, hijo de Glória Coelho y Reinaldo Lourenço -dos de los principales y más respetados diseñadores de Brasil- acaba de presentar su propia colección en la semana de la moda de París.

Pedro, chico precoz, diseña desde los 12 años. Comenzó para Carlota Joakina, la marca más accesible de  Glória Coelho. Dos años más tarde lanzó su propia marca, que lleva su nombre, en la São Paulo Fashion Week de 2005. De allí en adelante no cesó de presentar colecciones hasta la temporada primavera verano 2008/2009, cuando decidió cerrar la marca por un tiempo indeterminado para terminar el liceo y estudiar francés e historia del arte en París. No tardó mucho en volver a la pasarela, pero de esta vez lo hizo nada menos que en el marco oficial de la Semana de la Moda de París. Con solo 19 años, presentó una colección inspirada principalmente en el trabajo del arquitecto brasileño Oscar Niemeyer que es joven y absolutamente actual, y también demuestra madurez y fuerza. En la primera fila no faltó Carine  Roitfeld, editora de Vogue Paris, y obtuvo una excelente repercusión mediática. Basta con leer la crítica de style.com para saber que este desfile fue todo un suceso, incluso comparable a lo que está haciendo Nicolás Ghesquière para Balenciaga.

Pedro Lourenço siempre me llamó muchísimo la atención, especialmente por su corta edad y enorme talento. Siempre me referí a Pedro como el futuro “John Galliano brasileño”, y luego de este nuevo logro, no tengo dudas que su futuro dará mucho que hablar.

Abajo una selección de mis looks favoritos.

Pueden ver la colección completa aquí o aquí. Crítica Style.com (ingles) y FFW.com.br (portugués).

Los desfiles de Bernhard siempre son más difíciles de ver, no están en Style.com, para que tengan una idea, y es especialmente por eso que es tan maravilloso enterarse de esto. Yo me enamoré de Bernhard cuando vi una retrospectiva de su trabajo en el MOMU en Amberes. Pueden ver fotos de la exhibición aquí.

¿Nunca les pasó de querer hacer unos bocetos y estar horas para que la macaca no les quede chueca o siempre con las manos en los bolsillos porque no tienen idea de dónde meterlas?

Para quienes el dibujo no es su fuerte, sabrán entenderme y apreciar lo que Fashionary les puede cambiar la vida…

Hace poco me topé, en Internet, con este librito divino que es como una agenda práctica para cualquier diseñador.

El formato es ideal para llevarlo en cualquier bolso y no solo trae las fechas y lugares de las principales ferias y eventos del mundo; sino una guía alfabética de 1000 diseñadores, fotógrafos, blogs, y libros. También trae tablas de medidas estándares, fichas técnicas, y por si fuera poco 100 hojas con siluetas punteadas para que puedas ir armando tu propia colección o plasmar ideas!

¿El precio? ¡16 dólares!

Cada libro es fabricado en Hong Kong en pequeñas imprentas y luego puesto a la venta en Etsy, que  es como el Ebay pero de cosas con un toque más artesanal o vintage.

Su propio creador esta detrás de cada detalle e incluso en su blog se pueden enviar sugerencias, o bajar nuevas siluetas para actualizarte.

Cuando al fin llegó, abrí el paquete y me encontré con un post it en la tapa escrito a mano por su creador, Penter Yip, que decí: Hope you enjoy it! (imposible no, ¿verdad?)

En sus propias palabras:

“The main goal of FASHIONARY is to make the life more easy for fashion designers, and it will continue to improve according to feedback. Although the job is hard, still sweet”.

Bocetos de Sabrina Pérez http://www.flickr.com/photos/sabrinaperezgonzalez/

http://fashionary.org/blog/

http://www.etsy.com/view_listing.php?listing_id=35303785

Projeto Faces (Paris) por TavinhoCosta

Entrevero. Colección 2010. Livni-Escudero.

La siguiente nota surge de la necesidad de hacer un “estado del arte” de los jóvenes diseñadores textiles uruguayos. ¿Está de moda ser diseñador textil? ¿Quiénes son? ¿Dónde estudian? ¿Qué relación tienen con la industria? ¿Qué tipo de cambio social y cultural producen en un país? Todas estas preguntas intenté responderlas a través de las voces de los que diseñan y viven (¡se apasionan!) con la moda textil uruguaya.

El artículo se publicó el pasado 18 de diciembre en el semanario Brecha y me gustaría compartirlo con ustedes. Y de esta manera, seguir fomentando el debate y contestar las preguntas entre todos.

Mariangela Giaimo

Fue antes de la famosa crisis financiera de 2002. En pleno centro de un Montevideo ya deprimido, un grupo de jóvenes diseñadores se unió en El Piso, local de la galería La Madrileña. Eran inexpertos pero apasionados por el área textil, la moda y los objetos de diseño. Vino la debacle y ese emprendimiento se esfumó. Tres años después hubo otro impulso: en la Ciudad Vieja varios diseñadores abrieron locales de venta de objetos de diseño, tratando de imitar el fenómeno del barrio Palermo en Argentina, ofreciendo desde aparatos de iluminación hasta blocks de notas. Todo lo que podía tener un toque de diversidad era propuesto casi como un objeto de culto. Pero, de nuevo, el freno. Hasta hoy.

Se puede sentir otro movimiento tectónico con la reapertura de locales en la Ciudad Vieja, Pocitos y Punta Carretas, así como la constante realización de concursos, fiestas y ferias en bares, viejos cines o jardines de casas particulares. Algunos encuentros se difunden a través de invitaciones vía Facebook. “Este año hubo una especie de boom de ferias de diseño, desde las más pequeñas y puntuales a algunas que duraron varios días e incluyeron otros eventos asociados, como conciertos, desfiles e intervenciones artísticas”, dice Natalia Jinchuk, integrante del Centro de Tendencias del LATU y responsable de BlogCouture, sitio especializado en desarrollo y difusión del diseño. “Fue el caso de Fashion Rocks, en Lindolfo, y Moda en Acción, en Casablanca. Por supuesto que la Feria Máxima ya es un clásico, así como las ferias de Navidad”, cuenta. Son núcleos de efervescencia donde nuevos diseñadores pueden comenzar a expresarse. Pero a veces el apuro por mostrar juega en contra, y por eso las prendas que se encuentran no poseen el máximo en calidad y creatividad. Es importante no apurar los tiempos internos y no pasar por alto procesos creativos para así lograr un producto de calidad, matiza la profesora de diseño María Inés Strasser.

Diseño de Srta. Peel

No hay datos concretos de cuántos diseñadores textiles y de moda hay en el país, afirma Daniel Bergara, flamante director del Centro de Diseño Industrial (CDI). Pero la sospecha de que es una vocación en auge está marcada por la amplia oferta de estudios. En estos últimos años, a los centros de la Universidad del Trabajo  (UTU), la ORT, el CDI, el Instituto Strasser y la escuela de Peter Hammers, se le han sumado la Universidad de la Empresa, el instituto Bios y la escuela de Pablo Giménez. Son lugares donde puede profesionalizarse toda una generación que busca “expresar y celebrar una identidad. Eso ha sido una fuerza productiva. El motor mismo de la mutabilidad de la moda” , explica Emanuela Capelli, catedrática de Teoría y Tendencias de la Moda de la ORT. También se puede anotar como motor del auge el aura glamorosa que envuelve al diseñador: “Nos llega la imagen de las campañas mediáticas –señala Strasser–, lo muestran como un mix de artista, creador, ídolo, estrella de cine y por último couturier. Ese futuro de un mundo mágico y tratamiento de estrella es el impulso de muchos jóvenes”.

Este fenómeno se da en tiempos de la “estetización de la vida cotidiana”, como dice el inglés Mike Featherstone. En la sociedad de consumo, según este autor, la base es el borramiento de las fronteras entre el arte y el consumo masivo. Pero a estar atentos, porque esta valorización de la representación –en lo textil y la moda– no es un fenómeno explosivo, sino acumulativo: “Si bien el diseño en Uruguay siempre ha tenido importancia, es a partir de la década del 80 –con la creación del Centro de Diseño Industrial (CDI)– que ha habido un desarrollo. Hablar de diseño ahora es común para cualquier empresario”, explica Bergara. Es más, “la misma  industria lo entiende, aunque faltan empresarios que apuesten al diseño”.

Diseño de Alexia Berthelemy.

COUTURIERS Y ALGO MÁS. Los actuales referentes del diseño en Uruguay son Ana Livni, Fernando Escuder, Quiroga- Quiroga y Srta Peel, entre otros. A diferencia del diseñador de alta costura que hace una pieza única, estos profesionales proponen un diseño de autor –que implica la originalidad– unido a un nivel de gran escala de producción. Es por eso que no se resisten a la “industria” y no la ven como una antítesis de su vocación, sino como una parte fundamental de su trabajo. “Que un producto sea industrial no quiere decir que sea masivo, sino que exista la capacidad de industrializarlo. El nuestro no es masivo por un tema de costos, es para los sectores medio y medio alto”, detalla la dupla Livni-Escuder. Hace ocho años que tienen su propia marca: “Necesitás mucha creencia, mucha fuerza y muchas ganas. Nosotros creemos en lo que estamos generando y creemos que con esto mejoramos el mundo y lo hacemos más bello”. Su ropa plantea como “filosofía” el slow wear, que implica la preservación de los recursos naturales, el diálogo con la naturaleza y el interior de cada individuo, sin olvidar la calidad. Apuntan a una indumentaria que sea funcional para todo el día y que pase a tener la identidad de quien la consume –más allá del imperativo social de los cuerpos perfectos–, ya que el usuario puede intervenir el diseño.

Pero a los que recién comienzan se les hace muy difícil tener su propia marca, y muchos encuentran trabajo en las trading. Los más afortunados trabajan en tiendas como Lemon, Si-Sí o La Ópera, o cuentan con un incipiente trabajo  independiente. Ese es el caso de Agustina Bello, que con 25 años es diseñadora textil egresada del CDI. Agustina tiene taller propio de diseño de estampados e integra Galú, un emprendimiento de calzado femenino que nació del programa de incubadoras de empresas del Ingenio del LATU. Bello apuesta a que el diseño independiente tenga vuelo comercial. “Me gusta trabajar con la industria y hay mucho para aprender de ella. Sería bueno que hubiera una alianza más fuerte entre las empresas y los diseñadores. Un poco lo que hace Manos del Uruguay, que realiza productos para Stella McCartney y Marc Jacobs.” Alexia Berthelemy también es otra joven de 21 años que ya cuenta con su marca de ropa. Egresada de la escuela de Pablo Giménez, estudiante de comunicación y diseñadora de Dani Umpi, cree que sigue existiendo una mirada lúdica sobre la moda en vez de encararla como un negocio: “Como se sabe, el diseño pertenece a una de las industrias más grandes del mundo, la industria de la moda, y creo que nuestro país está por descubrirla”. _

Estampado de Agustina Bello.

“TRADING” DE MODA EN URUGUAY

LAS “OFF-SHORE” DEL DISEÑO

Las trading de diseño surgen de manera explosiva luego de la crisis de 2002 y el cierre de varias fábricas en el país. Son la reconversión de empresas textiles en intermediarios de diseño: un pool de diseñadores hace colecciones para ser fabricadas en China y vendidas en otras partes del mundo. De esta manera, no hay maquinaria, ni fabricación, ni producción. Estas trading –instaladas en la Zona Franca o en la Ciudad Vieja– se han convertido en un lugar de trabajo para los recientes diseñadores que buscan una oportunidad laboral.

Para Daniel Bergara, director del CDI, las trading son una realidad del sistema. Sin embargo, anota, “como proyecto de país uno no lo desea. Estaría mejor que todo lo que se genera se quedara aquí. Los centros de formación tienen que generar profesionales capaces de analizar esa situación y de desarrollar alternativas”. Lucrecia de León, de 27 años, hace dos y medio que es empleada de una trading especializada en sastrería masculina. Su trabajo consiste en la ejecución de un producto, su seguimiento –vía Internet o a través de viajes a China– y la confección. “En este trabajo me doy cuenta de cómo funciona el mundo a nivel de cantidades, de mercado, y los tiempos y velocidades de una producción masiva. Sobre todo te sirve para ser muy detallista, porque sos un intermediario entre el cliente y el proveedor. Pero claro, falta también el vuelo de poder hacer lo que uno quiere.” Ese lado “creativo” lo desarrollará a partir de un premio para jóvenes emprendedores que acaba de ganar con una amiga. Planean una marca de accesorios de moda de cuero y lana.

Por su parte, la argentina Nadine Zlotogora trabajó para la marca internacional Ona Sáez. “Lo que hacía eran ‘ejercicios’ de desarrollo de prendas. Trabajar en productos no es diseñar ropa, es diseñar un producto. Los siete diseñadores que hay en esa empresa hacen las cosas correctas y las fichas perfectas para que el producto pueda ser producido en China o en donde sea. De diseño poco tienen”, dice, y compara ese trabajo con su creación personal: “En Nadine hago Nadine. Es expresarte,expresarte y expresarte siempre”.

Diseño de Nadine Zlotogora. Otoño -Invierno 2008.

EL CASO ARGENTINA

PALERMO TRENDY

Al mejor estilo East Village de Nueva York en los años ochenta, el barrio de Palermo de Buenos Aires poscrisis 2002 fue el centro del diseño de autor. Este fenómeno causó la revalorización del barrio –con un alza en su cotización inmobiliaria– y su división en varios reductos: Hollywood, Soho y otros nombres que hacen referencias a lo cool y fashion del diseño. Palermo se convirtió, entonces, en escenario de la clase media porteña que compra y consume originalidad y arte pop y también “vida natural”. Hoy ya no es más un reducto de unos pocos: cerca de la plaza Serrano se han impuesto maxiferias de diseño y se instalaron grandes tiendas de marcas globales. Nadine Zlotogora comenzó su carrera en 1992 con el diseño textil para mujeres, hombres y niños. En sus comienzos ganó un concurso de Alpargatas Textil y trabajó para esa empresa por casi diez años. En 2000 plantó su marca en la Galería Larreta –en Florida entre Paraguay y Marcelo T de Alvear, pleno centro porteño– con otros 17 diseñadores. En 2002 logró instalarse en Palermo en plena época de separación de la exitosa dupla argentina Trosman-Churba. “Era un barrio donde no caminaba nadie pero ya había algunas tiendas de diseño –cuenta–, una zona deprimida pero muy bien conceptuada. Había unos cafecitos y bares en donde se juntaban intelectuales. Estaba lleno de cosas viejas, deterioradas por el tiempo, pero alucinantes. Uruguay tiene mucho de eso para rescatar aún.” Zlotogora ahora se siente invadida por las ferias y la ropa de las marcas internacionales. Sus diseños son “para personas sensibles que buscan calidad y que valoran eso. Mis diseños tienen algo que dice ‘en algún tiempo fui lujosa pero ahora no’. Yo quiero hacer ropa que sea heredada”. _

Missoni fue fundada en 1953 por el matriminio Missoni-Jelmini. Un ejemplo de empresa textil surgida después de la guerra y que aún mantiene vigencia.

LA MODA DA TRABAJO

En la Italia del norte, devastada por la segunda posguerra, comenzaron a surgir pequeñas sartorie familiares que cosían. Los confeccionistas (o costureros) necesitaban un diseñador para mejorar el estilo de su producción. Allí comenzó Giorgio Armani, quien luego de trabajar varios años para costureros se pasó a la marca Cerutti. Un par de décadas después, la industria textil e industrial impulsó el “made in Italy”: la revaloración de la producción artesanal e industrial a través de un diseño identificable que le agrega un plus cultural y económico a un producto para que compita comercialmente. La construcción de este “valor-marca” es un proceso lento, pero algunos países están identificando el papel del diseño como agente de innovación y competitividad, generador de nuevas posibilidades y propuestas económicas.

En Latinoamérica, Brasil, con su asociación de diseñadores ABEST, ha logrado la creación de una marca-país. En Uruguay ciertos “valores”, como la excelente mano de obra de confección, están desapareciendo. Muchas personas prefieren un sueldo como cocineros en un hotel de Punta del Este que esperar a que resurja la industria textil y de moda. A este problema hay que sumarle una serie de mitos ficticios sobre el made in Uruguay de la lana y el cuero. La mayoría de la lana se exporta sucia o en tops –sólo lavada y peinada– y casi no se fabrican hilados. Es por eso que el desfile “Cien por ciento lana”, de cuarto año de egreso del CDI, fue una propuesta de los nuevos diseñadores para la visibilidad de la explotación de este material. _

La tapa del número de Año Nuevo 2009/2010

Preguntarse para qué sirve el servicio militar en un país que no está en guerra -y encontrar respuestas interesantes-. Hacer un ranking de las mejores ciudades del mundo para vivir, tomando como parámetros desde la conectividad hasta la cantidad de locales de Zara y Starbucks (cuantos menos, mejor). Relatar cómo sobrevive una fábrica de paraguas en Austria, o buscar las oportunidades de negocios en las Malvinas (perdón, The Falklands) o Kuala Lumpur. Ningún fenómeno actual se salva de ser analizado por la mirada atenta, fresca y elegante de Monocle, la revista que fue lanzada en 2006 por Tyler Brûlé, periodista canadiense más conocido como el creador de Wallpaper.

Producción de moda Monocle style

Este descubrimiento se lo debo a Victoria Melián, editora de la revista Bla (we love Bla, too), que me la presentó el año pasado en el Foro de Diseño organizado por el Centro de Tendencias del LATU. Su descripción fue algo así como “Monocle es la Wallpaper de hoy, adaptada a tiempos más duros”. El abandono de la capa glamorosa se nota ya desde el diseño y la elección del papel, que en lugar de ser el supersatinado de su antecesora (que, ojo, vive y lucha y también la queremos) es más tosco, como de obra; y si bien da un buen uso a la fotografía, ofrece un throwback a otros tiempos haciendo de la ilustración un recurso elocuente.

Selección de regalos navideños

Pero es sobre todo la agenda que lleva (en el sentido anglosajón de la cobertura de temas) lo que resulta atractivo a los ojos de quienes estamos cansados de fórmulas gastadas. Monocle desea, a todas luces, vivir en un mundo mejor, al menos según sus parámetros y los de sus lectores: gente informada, que viaja con frecuencia, amante de la cultura en su sentido más amplio -incluyendo por supuesto el diseño y la comida-. La revista nos señala qué políticos de la escala global están haciendo bien las cosas, y por qué deberíamos imitarlos. El servicio es un tema de eterna preocupación y, desde aerolíneas a hoteles y restaurantes, nos muestra ejemplos a seguir. Y, para no vender solo para otros, la tienda Monocle en Londres, Tokio y Los Angeles abastece al público de una interesante selección de objetos de marcas premium en versión personalizada, con el monograma de la revista. Esto incluye, por ejemplo, la Blackberry by Monocle.

La encuesta de estilo 2009

Todo esto puede sonar inalcanzable y, sin embargo, son varios los números en los que se nombró a Uruguay: en el último, nos hace saber cuál es el mejor dulce de leche (según ellos, el Calcar con crema). Cada uno de los 10 números de la revista cuesta US$ 10, y vale cada centavo. Se consigue en las principales ciudades del mundo, o a través del sistema de suscripción en www.monocle.com